Mike Andersen en interview : « J’écris ce que je ressens »

Avec All Out Of Love, le guitariste et chanteur dévoile un album profondément personnel, façonné par la spontanéité et la créativité de sa collaboration avec Christian Ki. Né d’une première session captée en une seule prise, le projet a grandi de manière organique, sans plan prédéfini. Dix albums plus tard, cet artiste parvient encore à surprendre, puisant dans ses émotions et ses expériences de vie pour livrer des chansons sincères et universelles. Blues Actu a rencontré ce musicien d’une créativité inépuisable, qui nous raconte tout sur un nouvel album à ne pas manquer.

🎤 Mike Andersen en interview

Mike, tu as enregistré All Out Of Love avec Christian Ki, et tu as souvent dit que la complicité avait été immédiate. Peux-tu nous parler de cette toute première session ensemble ?

La première session a eu lieu il y a environ un an. La toute première chanson que nous avons faite était All Out Of Love. J’ai joué la guitare acoustique et chanté la voix principale en une seule prise live. À partir de là, nous avons ajouté tout le reste. La grosse caisse, c’est moi frappant dans un vieux fauteuil. La caisse claire, c’est moi frappant des planches à découper, que Ki a passées dans différents filtres et amplis. C’est sa façon de travailler – toujours penser hors des sentiers battus. Cela m’a fasciné, et cette approche a façonné tout le processus de l’album.

Pourquoi avoir décidé de travailler uniquement avec lui, plutôt que de faire appel à plusieurs collaborateurs comme tu l’as fait sur certains de tes précédents albums ?

Mon plan était d’enregistrer une ou deux chansons avec Ki, puis de passer à d’autres producteurs. Mais cette première session a été tellement inspirante et créative que j’ai décidé de faire tout l’album avec Ki comme producteur.

L’album s’est construit sans plan préétabli, guidé par l’instinct. Était-ce une façon pour toi de retrouver la spontanéité des anciens enregistrements live en studio ?

En réalité, l’album a été réalisé davantage en couches que “live en studio”. La seule chanson enregistrée en direct avec tout le groupe en studio est Haitian Lady. Pour toutes les autres sessions, c’était principalement Ki et moi en studio. Ki a joué différents claviers et de nombreux autres instruments. Plus tard, nous avons fait appel à Simone Tang (chant), Johannes Nørrelykke (chant, guitare, etc.), Mads Andersen (batterie), Palle Hjorth (orgue), Kirstine Elise Pedersen (violoncelle) et Liisi Kedik (violon) pour ajouter des overdubs sur certaines chansons.

La raison pour laquelle l’album garde une atmosphère live, c’est que la plupart des morceaux ont commencé avec moi jouant la partie principale de guitare et chantant la voix lead en direct. Sur cette piste live, nous avons construit l’arrangement global – mais ces arrangements devaient compléter la prise initiale. Cette méthode me convient. Si l’on commence par construire une piste et un arrangement, puis que l’on ajoute la voix principale en dernier, le résultat final peut facilement sembler “construit”.

« J’ai toujours écrit sur ce qui se passe dans ma vie »

Tu as dit que ce disque reflète ta vie après ton divorce. Comment as-tu transformé une expérience si intime en chansons ?

J’ai toujours écrit sur ce qui se passe dans ma vie, donc cela me paraît naturel. Quand j’écris, je n’ai jamais vraiment de filtre. J’écris ce que je ressens, et quand cela devient une chanson, cela me procure un sentiment de soulagement. Mais mes chansons ne sont pas toujours totalement autobiographiques – elles partent toujours de quelque chose que je ressens. Une chanson peut commencer par une ligne ou un couplet basé sur mon expérience, puis prendre une direction plus fictive. Je me base sur mes propres expériences, mais je pense qu’une bonne chanson doit être quelque chose auquel les autres peuvent aussi s’identifier, et pas seulement une page de ton journal intime.

Y a-t-il eu des chansons trop personnelles pour être chantées ou, au contraire, t’es-tu senti libéré en les écrivant ?

Non, je n’ai jamais le sentiment que certains de mes écrits soient trop personnels pour être chantés. Je me sens vraiment libéré quand j’arrive à sortir quelque chose de ma tête et de ma poitrine, et à l’amener dans une chanson. C’est une sorte de thérapie pour moi.

Le titre All Out Of Love donne un ton fort à l’ensemble. Que symbolise-t-il pour toi personnellement ?

On peut faire quelque chose par amour (“I did it all out of love”), ou parce qu’on est à court d’amour (“I’m all out of love”). La dualité de l’expression All Out Of Love m’a inspiré à écrire la chanson, car je vivais exactement ces sentiments contradictoires à l’époque de mon divorce, il y a presque trois ans. J’ai essayé d’écrire la chanson de façon à ne jamais révéler totalement de quel sens il s’agit. Pour être honnête, je n’en suis même pas sûr moi-même. Peut-être que les deux jouent en même temps.

Les deux premiers singles sont assez différents. Only For You est entièrement acoustique, tandis que Don’t Waste Your Time est plus électrique et rugueux. Comment as-tu trouvé l’équilibre entre ces deux extrêmes ?

Nous ne nous sommes fixés aucune “règle” en réalisant cet album, et nous ne nous sommes pas souciés des frontières de genres. Cela a donné un album assez polyvalent, qui part dans de nombreuses directions. Mon idée en choisissant ces deux singles était de montrer à quel point l’album est varié.

Certaines parties du disque évoquent la soul du Sud dans la tradition de Muscle Shoals. Était-ce une inspiration consciente ?

Pas vraiment. Mais j’adore le son et la musique issus de Muscle Shoals, donc cela fait clairement partie de moi. Et comme je l’ai mentionné auparavant, le fait de ne pas se concentrer sur les barrières de genres signifiait aussi que si une chanson appelait une direction soul ou blues, nous l’avons suivie sans hésitation (par exemple, Big Mouth). Nous n’avons pas délibérément cherché à éviter les références à un style – c’était bien aussi. Nous voulions simplement lâcher prise et suivre l’énergie que nous avions ensemble en studio.

En tant que guitariste, tu es connu pour ton toucher très personnel, laissant de l’espace et du silence dans ton jeu. Comment as-tu travaillé cette dimension pour cet album ?

Ce n’est vraiment pas quelque chose auquel je réfléchis. C’est juste ma façon d’aborder la guitare. Je pense que cela a beaucoup à voir avec mon immense amour pour B.B. King. J’aime la simplicité, et j’aime que la musique respire. Je ne suis pas fan des longs solos de guitare trop chargés.

Une question pour les amateurs de matériel : quelle est ta guitare de prédilection ?

J’ai acheté une Gibson ES-347 quand j’avais 14 ans. Cela a été ma guitare électrique principale pendant la plus grande partie de ma vie, branchée dans un Fender Super Reverb ou un Deluxe Reverb. Cette guitare figure aussi sur l’album, mais la plupart des parties de guitare électrique ont en réalité été jouées sur une autre Gibson que j’ai achetée il y a cinq ans : une ES-335 (édition Rich Robinson). Je l’avais achetée pour être ma guitare de secours, mais ces dernières années je la joue énormément. J’adore cette guitare.

Le studio avait un excellent ampli Magnatone – je l’ai utilisé sur presque toutes les pistes de guitare électrique. La plupart des guitares acoustiques ont été enregistrées avec ma Gibson LG-3 de 1951.

Dix albums plus tard, tu parviens encore à garder ton écriture fraîche… quel est ton secret ?

C’est un grand compliment, merci. Je pense que cela a à voir avec ce que j’ai mentionné plus tôt. J’écris sur ce que je ressens, ce qui se passe dans ma vie et ce qui m’inspire en général. Ces choses changent tout le temps, donc c’est comme une source qui ne s’assèche jamais. Écrire est important pour moi. C’est de bien des façons ma manière de traiter ce qui se passe dans ma vie.

Après un album aussi personnel, penses-tu déjà à la suite ?

J’écris tout le temps, mais je n’ai aucune idée de ce que sera mon prochain album. Mais j’ai déjà hâte de le faire.